Gregorio Peces-Barba, uno de los padres de la Constitución

Para comenzar El Puerto de Albéniz, interpretado por Alicia Delarrocha. Es una obra a la que tengo especial cariño, ya que la estudié hace tiempo:

Ayer murió Gregorio Peces-Barba, uno de los padres de la Constitución española. Nació en Madrid en 1938, y estudió en el Liceo francés de la misma ciudad. Se licenció en Derecho por la Universidad Complutense de la capital. Posteriormente se doctora cum laude en pensamiento político y social de Jacques Maritain, filósofo francés representante del neoescolasticismo, y con grandes estudios en torno al naturalismo o Derecho Natural. A pesar de los trabajos de Peces-Barba sobre la Doctrina Social de la Iglesia y ser apodado "vaticanista", siempre defendió la laicidad, como autonomía recíproca de política y religión.

En Estrasburgo amplía sus estudios obteniendo la licenciatura de Derecho Comparado, disciplina que analiza las semejanzas y diferencias entre ordenamientos jurídicos.

Comienza a ejercer como abogado en el despacho de su padre.

En 1963 funda con otros intelectuales la revista Cuadernos para el Diálogo, que para muchos fue una bomba de oxígeno ante un ambiente asfixiante. Desde esos años hasta 1975  trabajó como abogado defensor en varios procesos ante el Tribunal del Orden Público (TOE), un órgano colegiado encargado de la represión de lo que se consideraban delitos políticos en la época franquista, y en varios consejos de guerra.

En 1966 obtiene la plaza de profesor numerario de Filosofía del Derecho en la Universidad Complutense, y tres años más tarde sería detenido por la policía franquista por su tarea como jurista, defendiendo a presos políticos ante el TOE. Fue suspendido del ejercicio varios meses.

En 1972 ingresa en el Partido Socialista Obrero Español, entonces en la clandestinidad. Y en 1977, en plena transición, es elegido diputado por Valladolid. Y en el Congreso forma parte de la Ponencia encargada de examinar el Anteproyecto de la Constitución, siendo uno de sus redactores.

 

En 1982 obtiene la plaza de profesor agregado de Derecho Natural y Filosofía del Derecho, por concurso-oposición. El mismo año es elegido presidente del Congreso de los Diputados, como refleja la imagen:

Cuatro años más tarde decide volver a la actividad académica, y concentra sus esfuerzos en la  creación de la Universidad Carlos III de Madrid, pensada para dar una formación de calidad al sector sur de la capital. Fue rector de la misma hasta 2007.

En 2004 fue nombrado Alto Comisionado para el apoyo de las víctimas del terrorismo, con rango de Secretario de Gobierno. Durante esta época fue muy criticado. Se consideraba suconducta más política que la propia del cargo que ostentaba. Él defendía la coherencia y neutralidad.

Por propio deseo fue cesado de este cargo, que poco más tarde desapareció, y fue condecorado con La Real y Distinguida Orden Española de Carlos III. Es la más alta condecoración que se otorga en España. Fue creada en 1771 con el lema "virtuti et merito" y está destinada a los que han desempeñado una destacada labor a la Corona y el Reino de España.

Gregorio Peces-Barba ha sido un jurista, político, filósofo y padre de la Constitución. Es reconocida su tarea en favor de la democracia en todo momento, aun con un comunismo en ebullición que surgía en oposición a la dictadura. Precisamente Ignacio Quintana dice de él: "Se distinguía por ser un demócrata con mayúscula ya en la Universidad, donde la juventud radical o politizada no éramos exactamente demócratas, sino que estábamos metidos en luchar contra la dictadura y poníamos en primer plano la libertad y la revolución, más que lograr la democracia".

He querido dedicarle una entrada a Peces-Barba porque creo que ha hecho mucho por este país. No pretendo aportar nada a ningún panfleto político. En estas épocas en las que imperan la negatividad y la desconfianza podría malinterpretarse, y he visto darle un sentido político a todo lo que se hace y dice (el rollo cansino de las dos Españas). Cosa que no me gusta en absoluto.

A este jurista y académico (fue profesor de mi padre) le movía su pasión por el saber, el conocimiento. Era un ejemplo de civismo y pacifismo. Apostaba por el diálogo y la razón, sin radicalismos. Padre de la Constitución Española y demócrata hasta la médula. Puede no haber gustado siempre su actitud, pero todo anterior me parece digno de admiración.

¡¡¡Que tengáis suerte!!!

Tip y Coll

La música de hoy la ponen Clark Terry y Chico O' Farrill: Spanish Rice:

Tip y Coll, o Luis Sánchez Polack y José Luis Coll, se conocieron en 1967 en los platós de Televisión española, y componen el dúo cómico. El nombre que originalmente se pensó fue Tipicoll Spanish, pero se quedó en el que todos conocemos.

Tip, valenciano de nacimiento, estudió en la Escuela de Artes y Oficios y empezó su carrera como actor en el teatro convirtiéndose en un profesional de la actuación.

En 1945 ingresa como cómico en Radio Madrid como humorista, donde conoce a Joaquín Portillo y crea el dúo Tip y Top. Esta pareja graba varios discos de sketches con gran éxito. Entre ellos: Tarde en el dentista o Toros en Nueva York, con portada de Mingote. Dicen que tenía tanto sentido del humor y tan absurdo, que cualquiera podría verle por La Gran Vía madrileña, vestido de pijama y con chistera.

Coll, nacido en Cuenca, fue criado por sus abuelos y tíos, ya que su madre viuda, emigró a Argentina en tiempos de postguerra. Tras estudiar bachillerato y cinco años de piano, trabajó en la oficina de Abastos y colaboraba para el periódico La Ofensiva.

En 1955 se va a Madrid donde se inicia como humorista, participando en el semananario La Codorniz. Su debut cinematográfico se produce cinco años más tarde. Y trabaja como guionista en varios programas de Televisión española. Incluso se estrena como autor teatral con la obra El Sueño de unos Locos de Verano junto a Manuel Ruiz Castillo.

Una vez siendo miebros de Tip y Coll, es en los años setenta es cuando adquieren la fama y el reconocimiento. Su indumentaria es característica, trajes de enterradores, Tip con chistera y Coll con bombín. Todo programa de espectáculos que se preciara los tenía en su parrilla. Sus apariciones eran respaldadas por el público hasta tal punto de adoptarlo en el lenguaje cotidiano con frases y coletillas de la pareja como "dame la manita Pepe Lui", que viene de su propio programa. El absurdo de su humor y la improvisación imperan en sus escenas:

Una vez iniciada la década de los ochenta sus apariciones en programas de televisión aminoran, pero no su fama. Y trabajan en salas por todo el país. Además son los encargados de hacer "los especiales" de varias Nocheviejas, y así surge uno de sus sketches más conocidos, Cómo llenar un vaso de agua:

Desde mediados de los ochenta comienzan a distanciarse profesionalmente, aunque coinciden en algún programa como en Protagonistas de Luis del Olmo. Si recordáis Coll condujo el programa Hablando se entiende la Gente. Y presentó varios magazines.

Tip muere en 1999, y Coll en 2007, sin embargo seguirán siendo dos de los cómicos más memorables del país. Os dejo con ellos:

¡¡Que tengáis suerte!!

Charles Chaplin

Para entretenimiento del post os dejo esta joya, Dream A Little Dream Of Me de Ella y Louis:

Charles Spencer Chaplin nació un 16 de abril de 1889 en Londres. Hijo de padres judíos cantantes y actores con cierto éxito en algún momento. Sin embargo su padre les abandonó por su afición al alcohol, y su madre Hannah Hili, parece ser que de etnia gitana romaní de la que Chaplin se sentía muy orgulloso, tuvo que hacerse cargo de sus dos hijos.

La voz de la cantante empezaba a fallar. En una actuación, se le quebró y el empresario dio un empujón a Chaplin, que entonces tenía cinco años, para que saliera al escenario, que imitó la voz de su madre y agradó al público, siendo esto su debut en los escenarios.

Hannah empezó a mostrar síntomas de no tener las meninges en su sitio y fueron a vivir al asilo de Lambeth. Poco después ella tuvo que ser ingresada en un manicomio. Los dos hermanos, Sydney y Charles estuvieron en varios orfanatos, y viviendo de la caridad. Pero Charles potenció su faceta artística. En 1897 formó parte de los Eight Lancanshire Lads, un grupo de jóvenes actores que hacían giras por pequeñas poblaciones.

Al año siguiente muere su padre, mientras que él actúa para varias compañias teatrales. En 1906 firma un contrato con el Castle Coys Circus como una de las primeras actuaciones. Y actúa con el papel de Billy en Sherlock Holmes, y en diversos music-halls de la capital británica. Firmó un contrato para la compañía de pantomimas de Fred Karnod.

Trabajando para ella perfeccionó su interpretación y sus habilidad con la mímica, y participó en una gira en París, y en otra por Estados Unidos. Fue una época en que proliferaban ciertas películas de humor, con gesticulaciones exageradas, caricaturas de la realidad, y plagadas de peleas con lanzamimento de tartas.

Ya en Estados Unidos firmó para los estudios Keystone y se estrenó su primera película, Ganándose la Vida o Charlot Periodista. Ese mismo año rueda treinta y cinco películas de quince a veinte minutos, en las que va formando el carismático personaje que le daría fama en todo el mundo: Charlot.

Éste aparece por vez primera en el film Carreras de Autos Para Niños. Es un Vagabundo con una peculiar indumentaria formada a base de aportaciones de amigos: anchos pantalones, enormes zapatos, un desmarañado bombín y un bigotillo característico. Charlot es patoso y buena gente, y procura comportarse con la educación de un caballero. Sobrevive a base del uso de la picaresca y de huir de las autoridades. El ingenio con el que creaba las cómicas situaciones del vagabundo, junto con la habilidad de la gesticulación de Chaplin dieron lugar a cintas basadas en la expresividad de la imagen. Recordemos que estaban haciendo cine mudo y no podían usar el lenguaje oral.

En los años siguientes sus películas fueron adquiriendo argumentos más elaborados, como Charlot en la Playa, Charlot en la Calle de la Paz, El Inmigrante o Charlot Músico Ambulante. Todas de la fábrica de cine Mutual.

En 1918 fue contratado por la productora First National por un millón de dólares, que posteriormente le conseguiría un estudio propio con el que creó la mayor parte de sus filmes. En este momento ya ha asumido la tarea de director.

Con ella se estrenaron Vida de Perro y Armas al Hombro.

Fue entonces cuando rueda El Chico, una de las obras maestras del cine. Ensalza la importancia del amor entre iguales, con un resultado lleno de ternura y también con una gran crítica social. En los años setenta compuso la música para ella, que era muda.

En 1919, Chaplin y otros compañeros fundan la compañía distribuidora de películas United Artist.Y en 1923, con una estable productora y una buena fortuna, se sintió libre para desarrollar sus ideas. Así es como surge Una Mujer en París,

En esta época se inicia la trilogía final de Charlot y sale a la luz la comedia La quimera del oro. En 1927 aparece su primer film sonoro El Cantor de Jazz. Sin embargo, Chaplin sigue fiel al cine mudo y a su alter ego Charlot y continúa la trilogía con The Circus, en la que se incendia el estudio, pero por la que recibe su primer Óscar. El Vagabundo se persona de nuevo en Luces de la Ciudad, incluyendo música del director y escenas sonoras. Completa su banda sonora La Violetera, del compositor español José Padilla. Éste salió victorioso tras un pleito por derechos de autor de esta canción.

Después de un viaje por Europa, en 1936 se estrena Tiempos Modernos, en la que se retratan las condiciones que tiene que sufrir un obrero durante La Gran Depresión. Película a caballo entre el cine mudo y el sonoro.

Cuatro años más tarde y tras la invasión alemana en Europa, filma El Gran Dictador, otra de sus obras más reconocidas. Una sátira clara al fascismo y en concreto al Nacionalsocialismo, parodiando a Hitler. Aunque el personaje de Charlot ya estaba jubilado, no hay duda de su proyección en el personaje de barbero judío, por su forma de andar y moverse, y su ternura.

Las críticas de su obra procedentes del puritanismo norteamericano se vieron incrementadas con esta película. Fue una época en la que se sufrió el maccarthismo o "caza de brujas", en la que fueron perseguidas muchas personas recogidas en "listas negras" acusados de ser comunistas, y por tanto, traidores a la patria. Curiosamente el partido comunista no se ilegalizó, aunque esto iría en contra de los derechos civiles de los ciudadanos americanos.

 Chaplin fue uno de los sospechosos debido a sus ideas progresistas que exhibía sin pudor, y tras Monseir Verdoux (1947), un Barbazul que mataba esposas después de desposarlas y quedarse con su dinero, se agudizó este pensamiento, por su carácter fuertemente anticapitalista y el paralelismo que existía entre los delitos del personaje y las potencias en período de entreguerras. Se trasladó a Londres para estrenar Candilejas, llena de referencias autobiográficas y que es capaz de unir en un gesto la carcajada con el llanto. Tuvo diversos problemas con el director del FBI y el Comité de Actividades Antiamericanas, así que finalmente se exilió a Suiza donde adquirió una mansión en Cosier-sur.

Posteriormente creó Un Rey en Nueva York en la que dejaba plasmado su resentimiento hacia Estados Unidos. Su última película es La Condesa de Hong Kong, protagonizada por Marlon Brando y Sophia Loren. Pero después continuó con la composición musical de varios de sus filmes.

En 1972 le conceden un permiso para regresar a Estados Unidos y recoger un Oscar honorífico. En la gala se alteró el orden de los galardones, ya que se reservó el último para entregarlo a Chaplin, cuando lo normal es que fuera para la mejor película. Todo por "el gran efecto que había logrado en el arte del siglo XX, el cine".

Ha sido nombrado doctor honoris causa en Oxford, y Sir por su Majestad la Reina Isabel segunda.

Murió en su casa de Suiza en 1977 a la edad de ochenta y ocho años.

Era una persona querida con sus amigos con gran sentido del humor. Se han contado diversas anécdotas como por ejemplo probar el vino que le daba el camarero en su primera copa, escupirla con enorme asco ante el asombro de todos, incluido el camarero, y cuando se hacía el silencio mirar y decirle: «¡Excelente!». Son anécdotas de cómo la vida con él era una caja de sorpresas. (Comentado por su hija Geraldine en entrevistas).

No he querido extenderme para hablar sobre su vida personal, pero estuvo casado cuatro veces con esposas jovencitas en su momento. La cuarta fue Oona O´Neill, hija de un famoso dramaturgo. Y madre de Geraldine Chaplin, afincada en España y muy querida también en nuestro país.

Sin duda Charles Chaplin ha sido un icono en estos últimos tiempos. Solamente la silueta de Charlot es reconida en todas partes. Incluso se ha creado lenguaje como el término charlotada para referirse a un espectáculo de toros en tono cómico, y que tiene origen en la indumentaria de los artistas imitando al famoso personaje.

 Se cuenta que en una reunión social Einstein coincidió con el actor, director y músico Charles Chaplin. En el transcurso de la conversación, Einstein le dice a Chaplin:" lo que he admirado siempre de usted es que su arte es universal todo el mundo le comprende y le admira". A lo que Chaplin respondió: "lo suyo es mucho más digno derespeto; todo el mundo le admira y prácticamente nadie lo comprende".  ¡¡¡Que tengáis suerte!!!

Ángeles Santos

Para amenizar la entrada os dejo esta maravilla. Subid los altavoces.

Fue mi amigo Manuel quien me sugirió escribir sobre esta artista, y me ha parecido tan interesante que aquí va esta entrada.

 Ángeles Santos nace en Portbou en 1911. De niña vive en distintas ciudades españolas debido al trabajo de su padre, funcionario de aduanas. Por ello ingresa en distintos colegios de religiosas. Precisamente en Valladolid toma clases del profesor de dibujo y pintura a Cellino Perrotti.

Frecuenta ya tertulias de artistas e intelectuales como el poeta Francisco Pino, el pintor inglés Cristóbal Hall, o el padre de la doctrina de derecho procesal, y presente en mi cabeza a diario y no por placer, Emilio Gómez Orbaneja. El Ateneo de la capital es el primero que expone sus obras, y Francisco de Cossío aconseja a sus padres la dedicación exclusiva de Ángeles a la pintura.

Después de una exposición de jóvenes artistas, en 1929 acude al IX Salón de Otoño de Valladolid con su cuadro Un Mundo, pintura al óleo que manifiesta un planeta surrealista y que actualmente se encuentra en los fondos del Museo Reina Sofía. Obtiene unas opiniones tan favorables que Ramón Gómez de la Serna viaja a Valladolid para conocer a la joven pintora. Se la considera un prodigio en la pintura de la época conectada con el vanguardismo más transgresor.

Pero a finales de este año cambia radicalmente su estilo pictórico. Se traslada a San Sebastián, y en el Casino sigue relacionándose con escultores, arquitectos y pintores. En dos años no tocará un lienzo, sin embargo participa en exposiciones en diferentes países, y es invitada por otros otros tantos. Aunque también su carácter impulsivo compulsivo la lleva a ingresar en un sanatorio de Madrid.

En 1935 expone en Barcelona donde conoce al pintor Emilio Grau, con el que contrae matrimonio el año siguiente. Aunque sus creaciones tuvieron malas críticas por su carácter tenebroso y alejadas del Novecentismo catalán imperante en la época.

En los años siguientes deja de pintar, aunque siempre está vinculada al arte. Expone con sus cuadros anteriores, o incluso da clase en algún colegio. En los años de la Guerra Civil se traslada a Huesca y luego a Francia. Y siendo ya madre, fija su residencia en Madrid a principios de los años cuarenta. Pero al final de la década vuelve a Barcelona . La confirmación de su retorno al arte se produce en la Exposición de la sala Rovira en 1969. Pero su estilo es más relajado, lejos de cromatismos oscuros y la dureza de sus temas.

 Sin embargo, con la recuperación de las vanguardias históricas a mediados de los setenta, la obra de juventud de Ángeles vuelve a cobrar importancia, y obras como Un Mundo  (la imaten de más arriba)  o La Tertulia se convierten en algunos de los cuadros más importantes del surrealismo español.

Desde entonces hasta ahora ha participado en distintas exposiciones como Mujeres del Arte Contemporáneo Español, en Conde Duque en Madrid. También en Picasso, Miró, Dalí y Los orígenes del Arte Contemporáneo en España en el Museo Reina Sofía. Junto a otras individuales, sobretodo en Barcelona, Madrid y Valladolid.

Con la medalla de oro al mérito en Bellas Artes en su palmarés, sigue pintando y vive en Pozuelo de Alarcón en Madrid. Es madre del también pintor Grau Santos, y hermana del poeta Rafael Santos Torroella. Considerada un genio de la época, fue el centro de atención de Federico García Lorca, Jorge Guillén o García Lesmes. Personalmente me hubiera encantado estar presente en alguna de estas tertulias con gente tan talentosa y brillante.

 Que tengáis suerte!!!

Lars von Trier. Un director de cine singular

En la habitual avanzadilla musical del post he decidido recordar una de sus películas más célebres, a pesar de que el señor Wagner fue parte de la BSO de Melancolía, el último film del director danés.

Lars von Trier nació en Copenhague en el 56. Es director de cine y guionista. Se crió en un ambiente familiar muy cinéfilo, abierto al comunismo y al nudismo. A los once años le regalaron una super 8, y comenzó a rodar pequeñas pelis caseras.

El "von" lo agregó después de que él y unos compañeros sacaran de sus casillas a un profesor en la escuela de cine tras una regañeta. Éste les comparó con unos burguesitos, y les incitó a añadir el "von" a sus nombres. Lars así lo hizo.

Es conocido por ser uno de los creadores del movimiento Dogma 95 junto con Thomas Vonterberg. Después se unieron Kristian Levring y Soren Kragh-Jacobsen.

Redactaron "el Manifiesto Dogma" y "El Voto De Castidad", que supuso un punto de inflexión en el cine. Varios críticos lo comparan con la Nouvelle Vague o el Free Cinema. De hecho, la idea inicial era imitar un ensayo de Truffaut.

En definitiva, rechazan la forma de hacer cine al estilo de los estudios hollywoodienses con sus películas de presupuestos astronómicos, en favor de la calidad, el arte, y la democratización del séptimo arte. Todo el que quiera puede hacer películas. Debe desaparecer el cine de autor, aunque parece el antagonista del que se hace en estudio, en verdad es una idea burguesa, y por ello debe extinguirse en favor de la popularización del cine. Por otro lado no han faltado críticas a este movimiento, sobretodo por el incumplimiento de las reglas por sus creadores. Os dejo los diez puntos de la redacción original, y la web de Dogma con la lista de sus sus obras:

Manifiesto Dogma y Voto De Castidad
Lista de películas Dogma

Von Trier empezó, recién graduado en la escuela de cine, su trilogía europea formada por The Element Of Crime, Epidemic, y Europa, siendo ésta última de 1991, después de algunas obras para la televisión.  La primera obtuvo un premio en el Festival de Cannes. Europa, que fue aclamada por crítica y público, años más tarde recibió un tercer puesto en el mismo festival, y un decepcionado Lars no tuvo reparos en hacer un discurso de agradecimiento llamando enano a Roman Polanski, presidente del Jurado.

Rompiendo las olas fue otra de sus obras importantes, con la que consiguió un galardón en el festival francés. Estaba incluida en la trilogía The Golden Hearts, junto con Los Idiotas y Bailar en la Oscuridad (de la canción del principio). Ésta fue premiada en Cannes con la Palma de Oro como mejor película, y  también su actriz protagonista Björk, también nominada a la mejor canción en los Oscars por I´ve seen It All, que no es la de más arriba. Por todos conocida.

Otra de sus trilogías es Estados Unidos, iniciada por Dogville, un drama experimental que trata temas como la redención personal, venganza o xenofobia. Protagonizada por una Nicole Kidman antes del bótox o del exceso del mismo.

Otros títulos son la comedia de oficina El Jefe de Todo,  Anticristo o Melancolía. Esta última es la más reciente, y obtuvo críticas desiguales. Con Anticristo dio la campanada en Cannes, con unas declaraciones pro nazis, que según Lars eran una broma. Fue nombrado persona non grata en el festival.

A la espera de sus siguientes proyectos, como Nymphomaniac y Las Cinco Condiciones (con Scorsese), el cine de Von Trier no pasa desapercibido. Para unos es un genio, para otros un farsante muy inteligente. En sus obras es destacado, un punto de vista dramático de la sociedad, con toques apocalípticos. Algunas de sus películas crean ambientes realmente desoladores, cargados de estrés emocional que provocan sin duda al espectador. Pero en otras no llega a acoger esa implicación con el público, o a la capacidad de llevarte a su terreno psicológico.

Personalmente recomiendo Dancer in the Dark (Bailando en la oscuridad). El rodaje fue un vaivén de sentimientos y de sufrimiento. Su protagonista Björk ha comentado que durante el rodaje, la carga emocional de su personaje la invadió tanto, que estaba muy deprimida, y lloraba a diario. Sin duda eso se nota en el film, enriqueciéndolo, a pesar de su pena.

Que tengáis suerte!!!!

Carles Santos

La música de hoy, por supuesto del que da nombre al título de la entrada. Tenéis que verlo entero. No os dejará indiferentes.

Carles Santos es un músico, escultor, pintor, performista y compositor. Vamos, un artista. Empezó en la música en su infancia. siendo pupilo de grandes del piano durante sus estudios. Le gustaba el impresionismo, y se centró especialmente en autores como Bartok o Schonberg, uno de los pioneros del dodecafonismo.

A mediados de los 70, este valenciano crea un grupo instrumental, el Grupo Intelectual Catalán. Es en estos años cuando participa como guionista, intérprete, realizador, y siempre músico. Y previos a los 80 se dedica en exclusiva a su propia obra. En sus composiciones investiga diferentes formas musicales. Buena parte de sus obras no se agotan en la producción musical, sino que son utilizadas en el teatro debido a su riqueza escenográfica. Su arte no se agota en el sonido, que ya es bastante. Aunque él es músico, y no deja de hacer música para el teatro, en su obra utiliza más elementos (como él mismo dice). Por eso, estas creaciones son una mezcla de música, escenografía, teatro...

Se le considera un activo del arte conceptual, llegando a ser comparado con Miró, al que el músico tuvo la suerte de conocer y colaborar en proyectos de cine documental. La imaginación es una constante en sus obras, puede ser divertido, o emotivo, incluso aterrador. Pero desde luego no pasa inadvertido para el espectador. No es bonito, ni feo, sino que sugiere algo, provoca un sentimiento de la clase que sea. Algo que le hace llamarse artista.

Enlace de la web de Carles Santos

Su obra es extensa: Arganchulla Arganchulla Gallac 1987 Tramuntana-Tremens 1989. La Grenya de Pascual Picanya 1991. Asdrúbila 1992. Figasantos-Fagotrop: missatge al contestador, soparem a les nou 1996. L’espléndida vergonya del fet mal fet 1995. La pantera imperial 1996/97. Ricardo y Elena 2000. L’Adeu de Lucrècia Borgia 2001. Sama Samaruck Samaruck Suck Suck 2002. Lisístrata 2003. El Compositor La Cantant El Cuiner i La Pecadora 2003-2004. El Barbero de Sevilla 2005. La meua filla sóc jp 2005. El fervor de la perseverancia 2006. o Brossalobrossotdebrossat 2008. Y éstas sólo son algunas de sus creaciones.

Aquí os dejo una entrevista:

Entrevista de MI Reino Por Un Caballo

Sus creaciones se han interpretado por todo el mundo y ha obtenido numerosos premios. Siempre con su instrumento estrella, el piano. Causa de ello fue la exposición de la fundación Joan Miró de Barcelona hace unos años  Carles Santos. ¡Viva el piano!, que reinvindicaba al músico como artista conceptual. El piano que se mostraba fue traído desde Vinaròs, su tierra natal. El artista lo tocaba, y ensayaba el que era su siguiente espectáculo. En el museo.

Me despido con una de sus obras, que es conocida por todos. Por todos los que se acuerden de los Juegos Olímpicos de Barcelona, que implica haber cumplido algún añito que otro. Por supuesto Constantino Romero estaba presente con su voz.  Es una fanfarria, llena de música y color que me parece genial:

Que tengáis suerte!!!

Johnny Cash.

Seguimos este año con buena música:

Johnny Cash nació en el sur de Estados Unidos, en Arkansas. Fue cantautor country. Posiblemente por ello murió en Nashville (Tennessee), la meca del country. La película "Esa cosa llamada amor" cuenta muy bien este estilo de música en la capital del estado americano. Para los que no la habéis visto,  no es tan ñoña como el título sugiere, pero es un poco rollo. Johnny, o El Hombre de Negro como le llevaban por su indumentaria siempre oscura, brilló también en el Rock, versionó canciones de otros (muy conocidas como One, o Personal Jesus), fue intérprete, compositor..., en definitiva un músico.

Era el cuarto de siete hermanos. Gran fan de la música country, con doce años ya componia canciones. Se alistó en las fuerzas armadas como operador de radio debido a la guerra en Corea. Su carrera como músico la inició sirviendo a la fuerza aérea en Alemania, donde se integró en su primer grupo musical. Allí compró su primera guitarra y junto con cinco militares formó el grupo llamado Landsberg Barbarians para poder tocar por los pubs cercanos a la base.

Al volver de Alemania trabajó como vendedor de electrodomésticos en Memphis (donde está Graceland, la "casa atracción" de Elvis). Para el año 1954 es contratado por Sun Records.

Johnny empezaba sus conciertos con la famosa frase: Hello, I´m Johnny Cash (Hola, soy Johnny Cash). Siempre se encontraba en la carretera, siguiendo sus giras, donde él mismo confesó que se sentía muy agusto.

Fue uno de los pioneros del Rockabilly y Rock and Roll en los años 50. Un cantautor y referente del country. Muchos artistas de otros géneros también muestran su adoración. Un ejemplo es Snoop Dog, uno de los grandes del rap, que le dedida a Johnny una canción.

Los años sesenta fueron duros por su adicción a las drogas. Él mismo dijo que algunos días consumía hasta ciento cincuenta píldoras. Pero a finales de esta década se casó con June Carter, de la famosa familia Carter que estaba con gran influencia metida en el cotarro del country. Junto a ella y los hijos que tenían ambos de matrimonios anteriores, creó una gran familia, a la que se iban uniendo artistas a los que Johnny apadrinaba y demás.

Todos los que le han conocido resaltan su carácter generoso. Ha ayudado a un gran número de artistas a despegar. Incluso unió a uno de sus álbumes una canción que compuso un condenado a muerte en un penitenciario al que acudió para una actuación. Luchó por el indulto del preso y después le contrató como músico.

 En el año 97 le diagnosticaron una enfermedad neurodegenerativa. Pero fue su mujer quien murió primero, en mayo del 2003. Siguió dando conciertos, y recordando a su compañera en ellos. En septiembre del mismo año murió. Dos años más tarde se estrenó la película biográfica de su vida En La Cuerda Floja. Protagonizada por Joaquin Phoenix. Curiosamente su malogrado hermano mayor, River Phoenix,  protagonizó la película de la que os he hablado al empezar esta entrada.

Será recordado como el cantante de la voz enigmática y profunda. Para muchos creó un estilo propio dentro del country. La mejor manera de recordarlo es con una de sus canciones más famosas. Compuesta por su mujer, June Carter:

Que tengáis suerte!!!

6 de diciembre. Lemmy Kilmister

Buenos días. La canción del día no podía ser más que de Motörhead:

Ayer en La 2 emitieron una película documental sobre Lemmy Kilmister, bajista, vocalista, fundador, y único miembro permanente de Motörhead. Abundaban los fans y admiradores hablando de él. Hasta se dijo que fue el creador del heavy metal, cosa que es incierta. Aunque por lo visto influyó bastante en el thrash metal.

Nacido en las Islas Británicas en 1945, empezó en bandas como Opal Butterfly, Sam Gopal y The Rocking Vickers. Con una pinta bastante parecida a los Beatles (el pelo "guas" que se lleva últimamente, la moda es cíclica). 

En 1971 entró en la banda Hawkwind.

El segundo por la izquierda tiene en la actualidad un gran parecido con Astérix el galo. Lemmy es el de las gafas de sol.

Volviendo al tema, esta banda para muchos fue un antes y un después. Sobretodo para adolescentes varones, ya que en cada espectáculo una señorita con el cuerpo pintado y los pechos al aire, bailaba lentamente y con ojos cerrados. Así como en trance, muy típico de la época. En esta banda se tocaba rock psicodélico, hasta que después de una detención en Canadá fue echado del grupo. Y entonces fundó Motörhead. 

El tipo es auténtico. A lo largo de la cinta en ocasiones me parecía repulsivo, otras entrañable, a veces un cretino o me daba pena, y otras simplemente un excéntrico. Todos coincidían en que es un buen tipo.

Excéntrico lo es un rato. Es un fan de las armas y municiones de guerra. Gran coleccionista de espadas y espadillas. En especial de creación alemana. Lo que nos lleva a su fervor por la iconografía nazi. Su piso de LA, pequeño y lleno de mierda (es la verdad), está lleno de símbolos de las SS y de águilas y uniformes militares del tipo. Lemmy se desmarca de la ideología hitleriana, es un amante solamente de su estética.

Una parte que me hizo reír del filme fue su visita a un club de "juguetes de guerra", vestido como un capitán general de los ejércitos. El tío se monta en un TANQUE y tan contento. Por supuesto lo probaron y dispararon a discreción

Tiene igualmente una colección de sombreros bastante molona. Algunos con símbolos nazis (yo no puedo ignorar lo que significan), otros con sellos de otros ejércitos, como el de las espadas yankies de la guerra civil americana... Sin olvidar su colección de botas....

Todos los días va a Rainbow en LA,  se pone ciego a Jack Daniels con coca cola,  juega a la tragaperras. Uno de los comentaristas dijo que con estas máquinas se siente bien, que había algo entre esas luces y él. Le faltó decir que había una conexión especial entre el hombre y la máquina. Vamos, lo que todos llamamos ludopatía.

La relación con su hijo también es curiosa, porque se pasan tías, se drogan juntos (nunca heroína)..... Y dicen cosas extrañas. Como que la madre le llamó Paul, porque iba detrás de Paul McCartney, y mientras tanto se acostaba con John Lennnon y tal.

 Pero aparte de esto, todo el mundo de la música le respeta y admira. Todos quieren tocar con él, y le invitan a participar en los conciertos. En el documental aparecían gente conocida de la música como Ozzy Osbourne o Dave Grohl. Y diversos componentes de Metallica, Anthrax, Megadeth, más jóvenes y grandes seguidores de Lemmy. Y menos desmejorados también. Estoy segura que los de Metallica y Anthrax comen judías verdes todos los días. No se nombró a Iron Maiden en ningún momento.

Lemmy no se siente un abanderado del Metal, sino simplemente del Rock and Roll. Su estilo es Hard Rock, el sonido que hace con el bajo es bastante particular y muy imitado. Colabora con músicos diferentes. Ha conocido a grandes  del Rock. Todo eso me da mucha envidia la verdad.

Me gustaban los planos que le hacían mientras fumaba mirando hacia otro lado, pero muy consciente de la filmación. Y en alguna ocasión pensé: este hombre ha tenido que sufrir unas resacas espantosas, espantosas. Se le nota. Además ya contó que se ha puesto de todo. De todo. Menos heroína.

Y detrás de ese aire ya demacrado, con sus dos superverrugas, sus piernecillas en pantalones ajustados y sus temblores en las manos, es un tío con suerte. Un rockero lleno de realidad, y en vías de extinción. No hay que olvidar que Motörhead,  guste o no, ha sido y es una banda muy importante. Pese a las críticas del principio. Lo mismo le pasó a Tchaikovsky después de componer su concierto número uno para piano y orquesta.

Esto no es ni la vigésima parte de lo que podría aportar el único miembro de mi Blog. Así que espero que te alegre el tema OjoRojo.

Que tengáis suerte!!